¿Cómo nació la cultura DJ? Del vinilo a las raves

Hoy un DJ puede actuar ante miles de personas en un festival, producir sus propios temas o convertir una sesión en un auténtico espectáculo. Pero la figura del DJ nació simplemente poniendo discos.

¿Cómo pasamos de seleccionar canciones en la radio a mezclar, hacer scratch, crear nuevos ritmos y llenar clubs y raves? La historia del DJ es también la historia de cómo un tocadiscos terminó convirtiéndose en un instrumento musical.

¿Qué significa DJ y de dónde viene el nombre?

DJ son las iniciales de "disc jockey", una expresión que comenzó a utilizarse en Estados Unidos durante los años 30 para referirse a las personas que seleccionaban y presentaban discos en la radio.

En aquel momento, el trabajo consistía fundamentalmente en elegir qué música escucharía el público. Todavía no existían las mezclas, el scratch ni la figura del DJ tal y como la conocemos actualmente.

Pero esa capacidad de seleccionar canciones ya convirtió al DJ en algo importante: un intermediario entre la música y quien la escucha.

¿Cuándo empezaron los DJs a mezclar canciones?

Cuando la música grabada llegó a las pistas de baile apareció un problema muy sencillo: ¿cómo mantener a la gente bailando cuando termina una canción?

La solución fue utilizar dos platos y una mesa de mezclas para preparar el siguiente disco mientras sonaba el anterior.

A finales de los años 60, DJs de club comenzaron a perfeccionar técnicas para unir canciones sin interrumpir el ritmo. A Francis Grasso se le atribuye la popularización del beatmatching, la técnica que permite sincronizar el tempo de dos discos para realizar una transición mucho más fluida.

Ese cambio fue fundamental: el DJ ya no se limitaba a poner una canción detrás de otra. Empezaba a construir una sesión continua.

1973: dos platos ayudan a cambiar la historia del hip-hop

Uno de los momentos fundamentales de la cultura DJ ocurrió el 11 de agosto de 1973 en el Bronx de Nueva York.

En una fiesta organizada en el número 1520 de Sedgwick Avenue, DJ Kool Herc observó que el público reaccionaba especialmente a los breaks: los fragmentos instrumentales y rítmicos de determinadas canciones.

Utilizando dos copias del mismo disco en dos tocadiscos, podía pasar de un break al otro y alargar una parte que originalmente duraba apenas unos segundos.

Así, el DJ dejó de limitarse a reproducir la canción tal como había sido grabada. Ahora podía desmontarla, repetir sus mejores fragmentos y crear algo nuevo en directo.

Aquellas fiestas del Bronx acabarían siendo consideradas uno de los puntos de partida del hip-hop.

¿Quién inventó el scratch?

Otra técnica terminaría transformando definitivamente el tocadiscos en un instrumento: el scratch.

El DJ del Bronx Grand Wizzard Theodore está reconocido como uno de sus grandes pioneros. La técnica consiste en mover manualmente un disco hacia delante y hacia atrás mientras la aguja permanece sobre el surco.

Algo que originalmente estaba diseñado únicamente para reproducir música comenzó así a utilizarse para crear ritmos y sonidos completamente nuevos.

El plato ya no era simplemente un reproductor.

Se había convertido en un instrumento.

Del disco al house y el techno

Mientras el hip-hop transformaba la forma de utilizar los platos en Nueva York, la cultura de club evolucionaba también por otros caminos.

En Chicago, DJs como Frankie Knuckles mezclaban disco, soul, electrónica y versiones extendidas en clubs como The Warehouse. Esa escena acabaría siendo fundamental para el nacimiento del house.

En Detroit, productores y DJs desarrollaron una música más electrónica y futurista que terminaría dando forma al techno.

El DJ pasó así de seleccionar música existente a ocupar una posición central en la creación de nuevos géneros musicales.

¿Por qué el vinilo sigue siendo un símbolo de los DJs?

Hoy se puede hacer una sesión utilizando controladoras, reproductores digitales e incluso un ordenador. Sin embargo, dos platos, una mesa de mezclas y unos auriculares siguen siendo la imagen clásica del DJ.

Hay una razón histórica: durante décadas, el vinilo fue la herramienta con la que los DJs aprendieron a mezclar, buscar breaks, hacer scratch y construir sesiones.

Además, el plato permitía algo que otros reproductores no estaban pensados para hacer: tocar físicamente la música. Frenar el disco, acelerarlo, retrocederlo o buscar exactamente el punto desde el que querías empezar.

Por eso el vinilo sigue formando parte de la identidad visual de la cultura DJ incluso en plena era digital.

De la cabina a las raves y los grandes festivales

Con el crecimiento del house, el techno y la música electrónica, el DJ abandonó progresivamente el papel de figura escondida en una esquina del local.

La cultura de club y posteriormente las raves colocaron cada vez más atención sobre la persona que controlaba la música y construía la experiencia de toda la noche.

Actualmente existen DJs de hip-hop, house, techno, drum and bass, EDM y multitud de géneros diferentes. También existen turntablists cuya actuación está basada precisamente en la habilidad técnica con los platos y la mesa de mezclas.

La tecnología ha cambiado, pero la idea fundamental continúa siendo muy parecida: seleccionar, mezclar y transformar música para crear una experiencia nueva delante de un público.

¿Cómo acabó la cultura DJ influyendo también en la moda?

La música nunca se queda solamente en la música.

Hip-hop, techno, rave y cultura club desarrollaron también su propia estética, códigos visuales y formas de vestir. Platos, vinilos, auriculares, ecualizadores y gráficos inspirados en el sonido terminaron apareciendo en carteles, portadas, arte urbano y ropa.

Por eso la imagen del DJ resulta reconocible incluso sin escuchar una sola canción.

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